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世界上最動感畫（有動感的畫）

xj 2023-11-06

本文目錄一覽：

1、如何從經典名畫中感受油畫藝術的動感美呢？
2、日本95后畫家，畫少女洗臉，水珠畫出了動感，比冷軍畫老婆有新意嗎？
3、幫我找一些動感畫面
4、世界名畫吶喊圖片
5、史上最好看的畫
6、兒童畫教程｜顏料噴濺表現激情動感《砰砰砰！酒瓶碎了！》

如何從經典名畫中感受油畫藝術的動感美呢？

動感美，通常是指物象呈現出的富有韻律的動態、動勢和起伏變化的節奏、旋律、場景給人們帶來的視覺和聽覺上的美感。動感美一般是指“有動靜”的藝術表現形式，比如影視、舞蹈、音樂等，人們通過作品中明顯的“形動”和“聲動”，領會到其中的動感美。

油畫作為以平面圖象呈現的視覺藝術，從理論上講，是一種靜態的藝術表現形式。然而，油畫通過其構圖、造型、色彩、筆觸和場景的豐富變化，同樣可以展示出令人賞心悅目的動感美。那么，如何領會欣賞油畫藝術作品中的動感美呢？這里，筆者試以一些經典的油畫作品為例，和大家一起探討一下這個問題。

一，從油畫作品的戲劇化場景來欣賞它的動感美

以米開朗基羅的《創世紀》和魯本斯的《搶奪留西帕斯的女兒們》兩幅油畫為例：

《創世紀》是文藝復興藝術巨匠米開朗基羅用4年又5個多月的時間，在羅馬西斯廷大教堂圓頂上創作的一幅巨型壁畫。該畫分三大部分十個章節，成功刻畫了343個形態各異栩栩如生的人物形象。其中最精彩的是《亞當與夏娃》這一部分。畫面中，亞當和夏娃剛剛被造物主賦予了生命，亞當斜倚在畫面的左端，似乎是在努力地將手伸向造物主（上帝），而他的眼睛卻專注地看向畫面右端被造物主護在身側的夏娃。有趣的是，此時的夏娃也正目不轉睛地看著亞當所在的方向……讀者看著畫面場景，仿佛能感覺出亞當和夏娃正在雙雙移動著身體一步步靠近。

《搶奪留西帕斯的女兒們》是17世紀巴洛克油畫大師魯本斯的一幅代表畫作。該畫取材于古希臘神話，描繪了眾神之王宙斯與麗達所生的一對孿生兄弟卡斯托耳和波呂克斯，愛上了邁西尼國王留西帕斯的兩個女兒一對孿生姐妹。于是卡斯托耳和波呂克斯帶著人，趁著黎明前的蒙蒙晨曦，將留西帕斯兩個女兒搶走的場景。整個畫面呈現出一方拼命搶奪一方奮力掙脫的戲劇性場景，具有非常強烈的運動感。

二，從油畫作品的人物形態來欣賞它的動感美

以約翰-柯內爾的《馬背上的葛黛瓦夫人為例：

《馬背上的葛黛瓦夫人》是英國18世紀著名畫家約翰-柯內爾根據一個在英國流傳近千年的美麗故事創作的。故事梗概：美麗女子葛黛瓦嫁給了考文垂城的總督成了總督夫人。當她看到城里百姓因為賦稅過高而生活窘迫時，就向丈夫求情減免百姓稅負。總督丈夫不依，葛黛瓦終日郁郁寡歡。有一天總督跟葛黛瓦說，如果葛瓦黛敢赤身裸體騎著馬在城里走一圈，他就同意減免稅負。

總督本想以此話激將葛黛瓦打消為百姓減稅的念頭，不想葛瓦黛當即答應了。第二天一早，葛黛瓦夫人騎上府里的一匹棗紅色的高頭大馬，坦坦然然走在城里街道上。城里的商戶百姓知道葛黛瓦夫人的良苦用心，這一天都紛紛關門閉戶，路上的行人遠遠看見葛瓦黛夫人騎馬過來，也都側身扭頭回避……葛黛瓦夫人的大善之舉終于感動了總督，遂下令減免了百姓的賦稅。《馬背上的葛瓦黛夫人》雖然是一幅靜態的畫面，但讀者從葛黛瓦夫人的表情神態和馬的動態姿勢，會產生一種女主人正騎著馬行進在城區的街道上的運動中的感覺。

三，從油畫作品的新穎造型來欣賞它的動感美。

以夏加爾的《愛情》為例：

夏加爾是20世紀最著名的表現主義繪畫大師，他和妻子貝拉是中學同學，可以說是青梅竹馬走到一起。兩人感情真摯，志同道合。貝拉的聰明智慧靈動可愛給了夏加爾很多的創作靈感。每年在兩人的結婚紀念日期間，夏加爾都要畫一幅畫送給妻子。《愛情》是在他們結婚三周年時創作的，是夏加爾最珍愛的一幅作品。

畫面的背景是澄澈湛藍的天空，地面上疏落有致的房屋、樹木和綠蔥蔥的草坪。畫家站在畫的中央，玉樹臨風，他左手高高舉起，和妻子貝拉的右手對接，撐起穿著一襲紫紅紗裙美麗無方的貝拉。貝拉身體完全懸騰于半空，呈倒立型娑婆曼舞。在畫家旁邊的草地上，堆放著一束五顏六色的鮮花。真的太富有動感富有詩情畫意了。畫家是想以這樣的一幅畫面告訴世人：愛情是偉大的，愛情是美妙的，愛情的力量是無窮的，愛情是無拘無束仿佛可以天馬行空自由飛翔的。

四，從油畫作品的色彩鋪染來欣賞它的動感美

以雷諾阿的《浴女》為例：

世界上最動感畫（有動感的畫）

雷諾阿是法國19世紀印象主義油畫的代表畫家之一，尤以創作青春女性題材的油畫著稱。《浴女》是他中后期創作的重要作品。在這組系列油畫中，畫家以深情的筆觸塑造了一群豐腴女子的美麗形象。豐腴一般是指人的身體胖或者微胖，在人們傳統的審美中多不被看好。但是雷諾阿在這幅畫中，描繪了一群豐腴女子有的在洗浴，有的在梳頭，有的在戲水玩耍，有的在獨自沉思，通過運用繽紛絢爛的色彩渲染和遠景近景的層次交換，烘托出豐腴女子皎好的容貌、靈動的身體和柔媚開朗陽光的性情。整個畫面美輪美奐，人物形象鮮活動感，清麗飽滿。

五，從油畫作品的光線明暗來欣賞它的動感美

以倫勃朗的《杜爾醫生的解剖課》為例：

倫勃朗是17世紀荷蘭最偉大的畫家之一、“荷蘭小畫派”重要代表。倫勃朗對油畫藝術的最大貢獻是他豐富和完善了油畫的“明暗用光法”。倫勃朗在油畫中善于以黑色或褐色等深色作背景，以白色來突出主體，看上去像是一束束白光集中于畫面中央，既凸顯主體又富于動感美。《杜爾醫生的解剖課》是倫勃朗的一幅代表作。畫中描繪了杜爾醫生在手術臺前講解示范解剖手術的場景。圍在杜爾醫生身邊的是他的同事和學生。由于畫家精妙地運用了光線明暗關系，使這幅畫看上去仿佛不是靜態的，而是杜爾醫生真真切切地在講臨床實驗解剖課程，非常的真實生動。

六，從油畫作品的筆觸來欣賞它的動感美

以梵高的《向日葵》、《星空》、《麥田》為例：

筆觸既是畫家繪畫風格技法的展示，也是畫家思想感情在作品中的流露和展現。在這方面，后印象油畫大師梵高的《向日葵》、《星空》、《麥田》等提供了經典的范例。這幾幅作品，不僅展示了畫家精湛絕倫的繪畫技法，而且飽含著畫家的思想感情和火一樣熾熱的激情。我們看到，畫面中的《向日葵》，充滿生命的活力熱烈奔放，它已不是紙上的畫，而是一株生機勃勃的活生生的葵花樹；《星空》似乎讓人們看到無際的夜空，靜悄悄中，云層在涌動，月亮在看著周圍的世界，還有高山、巨塔、大樹等等，于暗夜中森然聳立，透著空茫而神秘的色彩；《麥田》中成片的金燦燦的麥子，讓人感恩大地母親，同時感受到一種豐收在望的喜悅和歡暢。

日本95后畫家，畫少女洗臉，水珠畫出了動感，比冷軍畫老婆有新意嗎？

冷軍，這是一個注定在畫壇留下芳名的大師級人物。他先前為老婆畫的素描作品《蒙娜麗莎關于微笑的設計》，那是毫發畢現，超寫實驚艷眾人。這幅作品也是冷軍的代表作之一，談到超寫實就繞不開這幅畫作。既然是素描，那么就有同行不服氣，日本95后畫家就是其中之一。他先前在網上看到了冷軍的超寫實畫作，就尋思著要超越冷軍，素描挑戰冷軍。他畫少女洗臉，水珠畫出了動感，比冷軍畫老婆有新意。這為95后畫家是誰呢？又如何比冷軍畫老婆有新意？

大森浩平

大森浩平作品未完成狀態

這位日本95后畫家，名字很有特色，叫做大森浩平。他從小就喜歡畫畫，對于畫畫有一種無法言說的天賦。但是這又是一個不幸的孩子，由于種種原因得了社交恐懼癥。他忍受著常人難以忍受的痛楚，每天承受著無形的壓力。他就將這種壓力，發泄到了畫畫中，在筆觸游移的時候感受那種歡快。他上了大學后，按理說應該陽光樂觀的，然而社交恐懼癥加重了。最后，也是不得不退學。雖然不善于表達，可是他用畫筆打開了一個新的世界。他在網上看到了冷軍的超寫實作品，心想也要超越前輩。

大森浩平作品局部

于是，他就用素描挑戰冷軍。他畫少女在洗臉，畫了整整85天，基本上就是兩個多月。他與冷軍有一個十分相像的地方，都是慢工出細活，都是那種不善于表達的人。大森浩平在這85天的時間里，精心雕琢每一個細節。盡管他用的是那種鉛筆素描顏色不夠艷麗，可是他畫的人物畫確實是非常有質感。他筆下的少女，洗著臉，水珠順著鼻子往下流。難能可貴的事，他把水珠的那種動感也給畫出來了。水珠流過細小毛孔的那種感覺，也給表現的淋漓盡致。

冷軍與前妻

這位95后日本小伙子不簡單，比冷軍畫老婆有新意。上文中所說的《蒙娜麗莎關于微笑的設計》，正是他為老婆畫的素描。冷軍為老婆畫的素描，從超寫實的角度來說，那是無可挑剔精彩紛呈。大家注意看他的細節，毛衣那種線條交叉的地方，處理的很精致。甚至于，那種常眼難以發現的線頭都刻畫的清晰可見。然而，冷軍的這幅畫作，與日本95后小伙相比，缺少了點新意，就視覺沖擊力而言，遠遠沒有水珠動感的那么強烈。

《蒙娜麗莎關于微笑的設計》

《蒙娜麗莎關于微笑的設計》局部

冷軍與日本95后畫家，代表的是兩種完全不同的時代。冷軍相對來說，是比較傳統的畫家，畫一幅畫之前的考量比較多。日本這位95后畫家大森浩平，就屬于新興的年輕畫家，在創意上比冷軍這樣的老牌藝術家有想法。他才20多歲，還是非常年輕的，未來有無限的可能。小小年紀能夠有此造詣的大森浩平，對于畫畫直言不諱的說道我不是擅長畫畫，而是專注于一件事情。看來，人生在一片荒蕪的時候，上天不會把你逼到絕路上。大森浩平憑借超寫實扎實的功底，著實出名了。

《蒙娜麗莎關于微笑的設計》局部

大森浩平畫風與冷軍迥然buitong

平心而論，作為日本95后畫家的大森浩平，這一路走來實在是不容易。他畫了一個洗臉的少女，連水珠畫出了動感，確實是比冷軍畫老婆有新意。然而，有新意還是不行的，作為畫家更多的應該專注于如何將自身的感覺與畫筆合二為一，這樣才能夠實現突破。相比之下，冷軍做得非常成功，比大森浩平高了不知多少個層次。所以，大森浩平還是有很長的路要走。大森浩平的經歷，也為我國國內的年輕畫家做了一個榜樣，認真執著的日本民族精神，加上在藝術上甘守寂寞，他確實是值得我們學習。

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幫我找一些動感畫面

學美向前沖：一群小女生立志的動畫，相當感動。

秒速五厘米：新海誠的佳作，我流淚了。

雪之少女，air，和現在正播放的clannd都是KEY的作品，超感動。

草莓棉花糖ova，平凡中流露出感動.

除魔維納斯，少女間的友誼，感動。

犬夜叉劇場版：穿越時空的愛戀，能使你終生不忘。奏光的STRAIN，非常感動。

ef悠久之翼，流淚之作。

翼年代記，走著永不停息的旅途，感動。

還有鋼煉，感動。

死神的歌謠，感動。

地獄少女第二季，感動。

僵尸借貸，感動。

貧窮姐妹物語，感動。

還有好多，就想到了這么多。

世界名畫吶喊圖片

世界名畫吶喊圖片，世界上有很多的名畫，一些畫的價值是價值連城甚至是無價之寶，世界上的畫家成千上萬，但是歷史留名的卻不多，而世界聞名的就更是少之又少，以下分享世界名畫吶喊圖片。

世界名畫吶喊圖片1

《吶喊》是挪威畫家愛德華·蒙克1893年創作的繪畫作品，共有四個版本，分別是：創作于1893年的第一個版本，其作品作為蛋清木板畫；繪于1893年的第二個版本，該畫作為彩蠟木板畫；第三個版本，創作于1895年，為彩粉木板畫；第四個版本為蛋清木板油畫。

該畫作的主體是在血紅色映襯下一個極其痛苦的表情。在當時蒙克的眼中，奧斯陸峽灣充滿著發抖的、血紅的幻覺，讓人感到恐懼，甚至有些惡心。

在《吶喊》畫作中，蒙克所用的顏色雖然與自然顏色的真實性是一致的，表現方式上卻極度夸張，展現出了他自己的感受，畫作里的線條扭曲，與橋的粗壯挺直形成鮮明對比，蒙克將畫面中沉悶、焦慮并且孤獨的情感，表現到了一種極致。《吶喊》是表現主義繪畫的代表作品。

2012年5月3日，在紐約蘇富比印象派及現代藝術專場拍賣上，1895年創作的版本（第三版）《吶喊》，以1.199億美元拍出。 [1]

1893年 | 表現主義

挪威國家藝術館等

天空中，紅、黃、橙色的烈焰，像是要著火了一樣。

下面站著一個人，光禿禿的腦袋就像頭骨，整個身體被拉成波浪形，像要融入身后的急流。他因為害怕而瞪大了眼睛，嘴里發出了嚇人的尖叫！

整個畫面都彌漫著一股恐懼和焦慮。整幅畫情緒飽滿，不管是專業的藝術家，還是普通小白，都能在看畫的一瞬間感同身受。

這就是挪威藝術家愛德華蒙克的《吶喊》。這幅畫也有四個版本，其中粉彩木板畫12分鐘就賣出了1億2千萬美元。

世界名畫吶喊圖片2

2012年5月3日，在紐約蘇富比印象派及現代藝術專場拍賣上，1895年創作的版本（第三版）《吶喊》，以1.199億美元拍出。

中文名：《吶喊》

外文名：（挪威文）Skrik

（英文）The Scream

類別：油畫、蛋彩畫、色粉畫、紙本畫四個版本

收藏地：蛋彩與蠟筆畫，藏挪威國家藝術館

收藏地：色粉彩繪于木板作品，拍賣給私人

《吶喊》的畫者，愛德華·蒙克（1863—1944年）是表現主義的代表人物，出生于挪威的醫生之家，長期居住在德國柏林。

蒙克的藝術創作與他的生活經歷密切相關，童年時期父母、姐姐相繼因病去世，目睹親人被病魔慢慢吞噬的痛苦，成為他表現人類苦痛、磨難和死亡的起因。他的作品中表現出對苦難生活的強烈感情，充滿緊張、恐懼、不安、憤怒、絕望和深思。

該畫【藝術特色】♀

《吶喊》常常被認為是蒙克的第一幅具有表現主義特色的畫作，也是蒙克書寫“靈魂”這一概念最原本的體現。

繪畫表現更多依賴于創作時的感受，濃烈的色彩紅、黃、藍、綠的構成與大膽扭曲的輕重有致、緩急有序、長短粗細有別的線條運用令人震撼，畫面呈現出高度的透視技法。

吶喊的人物全身震顫著，面色慘黃，驚恐的眼神透出萬般的失落與迷茫。血紅色的背景，動蕩、急劇變化的線條是不可能取自于現實的，它來自于蒙克孤獨和恐懼的生活經歷。

該作品超越感官，表達了最深層次的東西。猶如畫家所堅定的理想一樣。

在該幅畫上，蒙克所用的色彩與自然保持著一定程度的關聯。

雖然藍色的水、棕色的地、綠色的樹以及紅色的天，都被夸張得富于表現性，但并沒有失去其色彩大致的真實性。

全畫的色彩是郁悶的：濃重的血紅色懸浮在地平線上方，給人以不祥的預感。它與海面陰暗處的紫色相沖突；這一紫色因伸向遠處而愈益顯得陰沉。同樣的紫色，重復出現于孤獨者的衣服上。而他的手和頭部，則留在了蒼白、慘淡的棕灰色中。

畫中沒有一處不充滿動蕩感。天空與水流的扭動曲線，與橋的粗壯挺直的斜線形式鮮明對比。

整個構圖在旋轉的動感中，充滿粗獷、強烈的節奏。所有形式要素似乎都傳達著那一聲刺耳尖叫的聲音。作者在這里以視覺的符號來傳達聽覺的感受，把凄慘的尖叫變成了可見的振動。

世界名畫吶喊圖片3

世界十大名畫之一蒙娜麗莎

《蒙娜麗莎》是意大利文藝復興時期畫家列奧納多·達·芬奇創作的油畫，現收藏于法國盧浮宮博物館。

該畫作主要表現了女性的典雅和恬靜的典型形象，塑造了資本主義上升時期一位城市有產階級的婦女形象。

該作品代表了文藝復興時期的美學方向，作品折射出來的女性的深邃與高尚的思想品質，反映了文藝復興時期人們對于女性美的審美理念和審美追求。

《蒙娜麗莎》是達·芬奇最喜愛的作品，作者生前一直把它留在自己的身邊。

直到達·芬奇去世后，法國國王弗朗西斯一世用了一萬二千金幣，才從達·芬奇的弟子手中買下。

現藏｜法國羅浮宮

世界十大名畫之一最后的晚餐

《最后的晚餐》是藝術家達·芬奇于文藝復興時期創作的大型壁畫，是達·芬奇代表作之一，世界著名畫作，收藏于意大利米蘭圣瑪利亞感恩教堂。

達·芬奇以《圣經》中耶穌跟十二門徒共進最后一次晚餐為題材，將人物的驚恐、憤怒、懷疑、剖白等神態，以及手勢、眼神和行為，都刻畫得精細入微，惟妙惟肖。

1980年該畫被列為世界文化遺產。

這幅在格雷契寺院食堂墻壁上的宏大畫面，嚴整、均衡，而富于變化，無論從構思的完美、情節的緊湊，人物形象的典型塑造以及表現手法的純熟上都堪稱畫家藝術的代表。

它也是人類最優秀的繪畫作品之一，由于它的問世而使達·芬奇名揚世界。

現藏｜意大利米蘭圣瑪利亞德爾格契修道院

世界十大名畫之一格爾尼卡

《格爾尼卡》是西班牙立體主義畫家帕勃洛·魯伊斯·畢加索于20世紀30年創作的一幅巨型油畫，長7.76米，高3.49米。

該畫是以法西斯納粹轟炸西班牙北部巴斯克的重鎮格爾尼卡、暴殺害無辜的'事件創作的一幅畫，采用了寫實的象征性手法和單純的黑、白、灰三色營造出低沉悲涼的氛圍，渲染了悲劇性色彩，表現了法西斯戰爭給人類的災難。

這幅畫運用立體主義的繪畫形式，以變形、象征和寓意的手法描繪了在法西斯獸行下，人民驚恐、痛苦和死亡的悲慘情景。

畫面左側，一位悲痛欲絕的母親懷抱因戰爭而死去的嬰兒仰天哭喊，她的身后立著一個恐怖的牛頭，牛臉上流露出殘忍的獰笑。

根據畢加索曾在其他繪畫作品中以牛頭表示邪惡的習慣分析，這個牛頭代表了法西斯的殘暴和黑暗。

畫的中間部分，一匹被刺傷的馬昂頭張著嘴，發出哀鳴，據畫家本人說，這匹馬象征西班牙人民，它代表受難的西班牙。

馬的身下躺著一名死去的戰士，他的右手握著被折斷的劍，劍旁有一朵鮮花，這朵花是對死去戰士的悼念。

一個婦女從窗子里探出身體，右手舉著一盞油燈，油燈的左上方有一盞像眼睛似的電燈，燈光像鋸齒一樣射向四周，這些象征揭露，畫家要將這一切罪惡和黑暗置于光照之下，讓全世界都明了。

現藏｜馬德里國家索菲亞王妃美術館

世界十大名畫之一星月夜

摯愛深夜的梵高在圣-雷米的初期所畫的這幅"星月夜"是凡·高深埋在靈魂深處的對世界的感受。

在這件作品中, 閃爍于碧藍色夜空中的星星, 格外奪人眼目。

每一顆大星、小星回旋于夜空中, 新月也形成一個漩渦, 星云與棱線宛如一條巨龍不停地蠕動著。

暗綠褐色的柏樹像一股巨形的火焰, 由大地的深處向上旋冒; 山腰上, 細長的教堂、尖塔不安地伸向天空。所有的一切似乎都在回旋、轉動、煩悶、動搖, 在夜空中放射艷麗的色彩……這幅油畫是他所畫的為數不多的, 不靠直接觀察對象, 而用虛構的形與色, 憑想像創造某種氣氛的作品中的一幅。

現藏｜紐約現代藝術博物館

世界十大名畫之一大宮女

安格爾的藝術“清高絕俗，莊嚴肅穆”，這一切可以通過他的重要作品《大宮女》體現出來。

畫中，安格爾放棄了很多不必要的細節，使之統一在一片安詳靜謐的和諧氣氛之中，就像是精心計算過一樣，每一個“數字”所代表的都是和整體息息相關的極其“危險”的事件，隨意改動其中的任何一處，都會使整個畫面徹底坍塌。

這也似乎驗證了古希臘哲學家畢達哥拉斯“數與和諧”的理論，畢氏仰望夜空，都能感覺到星辰的組合像是用數字組成的音樂，他曾說他有很多次真的聽到了“諸天音樂”。在這幅畫上，比例、色彩像數字一樣按一種奇妙的秩序排列著，華麗而不失平和。

安格爾早年游學意大利時，也一定通過古希臘的藝術作品感受到了畢達哥拉斯哲學的這種富于神性的美。故意拉長的身體，似乎體現了一種古希臘雕刻的肅穆莊嚴的美感。

藝術并不是盲目地復制現實，而是對傾入全部感情的生活中綻放的精神之花的傾力表達。這是一種美感，不需要任何理由。

齊白石說作畫“妙在似與不似之間”，在形體脫開世俗的桎梏之后，精神才會完滿。這也表現在他的很多絕妙的素描之中。

現藏｜巴黎羅浮宮

世界十大名畫之一戴珍珠耳環的少女

《戴珍珠耳環的少女》，是十七世紀荷蘭畫家約翰內斯·維米爾于1665年創作完成的一幅油畫。

該畫描繪了一名身穿棕色衣服，佩戴黃、藍色頭巾的少女，以少女戴著的珍珠耳環作為視角的焦點。

該畫背景鋪滿黑色，襯托出少女的形象。畫面中的少女穿一件棕色的外衣，白色的衣領、藍色的頭巾與垂下的檸檬色頭巾相互映襯，她側身轉頭面向畫外，嘴唇微微張開，左耳佩戴的珍珠耳環若隱若現，少女的形象與黑色的背景形成對比，凸顯立體。

史上最好看的畫

史上最好看的畫，每天都有數百萬幅畫作，但只有少數畫作會在我們的靈魂中產生印象，但也有的畫作是震驚世界的，比方說蒙拉麗莎的微笑大家應該都有聽過，以下史上最好看的畫。

史上最好看的畫1

10、惠斯勒的母親

它最初被稱為灰色和黑色的安排：藝術家的母親。這是美國出生的畫家詹姆斯麥克尼爾惠斯勒于1871年繪制的一幅油畫。它被認為是美國以外的美國人畫的世界上最有名的畫作之一。

9、戴珍珠耳環的女孩

它被許多人稱為“荷蘭蒙娜麗莎”和“北方的蒙娜麗莎”。它于1665年由荷蘭藝術家約翰內斯·維米爾繪制，這是一幅油畫，展示了一個頭巾和珍珠耳環的女孩。這幅畫中的女孩被認為是維米爾的長女瑪麗亞。她創建時大約十二或十三歲。

8、三位音樂家

乍一看，三位音樂家看起來像拼貼畫，但實際上我是一幅油畫。它是由西班牙藝術家Pablo Picasso在1921年繪制的。Pablo Picasso實際上畫了兩幅相似的畫作，他們都互相稱為三位音樂家。

7、記憶的持久性

它是由西班牙藝術家薩爾瓦多·達利于1931年繪制的。它被認為是最好的藝術品之一，或者你可以說是全球最有名的畫作之一。這幅畫的基本思想是讓人們思考他們的生活方式以及他們花時間的方式。

6、吶喊

它于1893年由愛德華·蒙克繪制。他是當時最有名的畫家之一。他只在紙板上使用油和蠟筆畫，以畫出他最著名的作品。它基本上描繪了大自然的尖叫。這幅畫展示了對景觀的表現和痛苦的表達。橙色的天空可以在背景中看到。

5、亞當的創造

亞當的創造由米開朗基羅在1508年至1512年間繪制。它被放置在梵蒂岡城西斯廷教堂的天花板上。這幅畫基本上描繪了“創世記”中的圣經創作敘事。它展示了上帝如何賦予第一個人亞當生命。

4、格爾尼卡

這幅畫的靈感來自對西班牙格爾尼卡的轟炸。在西班牙內戰期間，巴勃羅·畢加索在1937年完成了世界上最有名的一幅名為格爾尼卡的畫作之一。西班牙政府委托這幅畫作為戰爭的苦難，但后來它成為和平的象征。

3、最后的晚餐

它是15世紀最有名的畫作之一，由萊昂納多達芬奇繪制而成。它沒有被放置在任何博物館中，而是覆蓋位于米蘭的Santa Maria Delle Grazie餐廳的后墻。這幅畫主要描繪了耶穌的最后的晚餐和他的門徒。

2、繁星之夜

繁星之夜也是世界上最有名的畫作之一,它由文森特·梵高繪制。雖然他畫了許多畫作，但這一幅畫被認為是一部杰作，這幅畫自1941年起被放置在紐約市現代藝術博物館，它已被Lillie P、 Bliss Bequest收購。

1、蒙娜麗莎的微笑

蒙娜麗莎是世界上最有名的畫作之一。這是一幅由意大利藝術家列奧納多達芬奇繪制的女性肖像。它是最有名的藝術作品之一。蒙娜麗莎是世界上寫得最多，訪問量最大，最受歡迎的著名畫作。

史上最好看的畫2

世界上最美的肖像油畫

1、《蒙拉麗莎》作者達·芬奇

《蒙拉麗莎》這幅經典油畫可謂是享譽全球，如今收藏在盧浮宮，作者是天才藝術家達·芬奇。肖像中的女性是皮貨商年僅24歲的妻子，作者成功的塑造了一位貴婦形象，畫中的蒙拉麗莎嘴角有一抹似有若無的微笑，眉眼間透露出愉悅，但是這個微笑非常的微妙，不經意間可能會被忽略，所以后人也稱這個是最神秘微笑。

2、《戴珍珠耳環的少女》作者約翰內斯·維米爾

《戴珍珠耳環的少女》是荷蘭畫家約翰內斯·維米爾的作品，畫中的少女是他的長女瑪利亞，這幅畫是經典的傳世名畫，畫中的少女戴著黃、藍的頭巾，一身棕色衣服，氣質脫俗，給人一種恬靜從容的感覺，但是又讓人感到有些傷感，畫家將細膩的感情刻畫得栩栩如生，令人佩服。

3、《入睡的維納斯》作者喬爾喬內

《入睡的維納斯》是意大利畫家喬爾內爾最成功的油畫，說是肖像畫可能有些不準確，但是畫中的維納斯在一片自然風景中入睡，觀賞的人都不敢大聲說話，怕驚擾了這位沉睡者，維納斯的身體線條優美柔和，與大自然合二為一，當人們看到這幅畫時，沒有什么肉體上的沖擊，有的只是一片靜謐美好。

4、《海倫娜·費爾曼》作者魯本斯

《海倫娜·費爾曼》是由魯本斯所創作的，現在收藏在倫敦的國立美術館，油畫中的色彩美艷美麗，更襯托出畫中人的美麗，這幅肖像畫的線條非常流暢，一位貴婦人的形象近在眼前，豐腴的身材，白皙的面容，將貴婦形象展現的淋漓盡致，魯本斯如果為世界上最性感的女人作畫，一定也是美極了。

史上最好看的畫3

世界上最經典的畫賞析

《蒙娜·麗莎》——達·芬奇

這幅肖像花了達、芬奇四年的時間，當他完成這幅肖像之后，不愿把它交給佐貢多(富商,蒙娜、麗莎的丈夫）或其他任何人。當他受到法國國王的邀請時，便帶著這幅肖像離開意大利去了法國。達、芬奇是在法國去世的，這就是為什么《蒙娜、麗莎》這幅畫在法國的緣故。多少世紀來，人們一直在談論她那神秘的微笑，她的微笑的確神秘：它似乎在變化。不同的觀者或在不同的時間去看，感受似乎都不同。有時覺得她笑得舒暢溫柔，有時又顯得嚴肅，有時象是略含哀傷，有時甚至顯出譏嘲和揶揄。在一幅畫中，光線的變化不能象在雕塑中產生那樣大的差別。但在蒙娜、麗莎的臉上，微暗的陰影時陷時現，為她的雙眼與唇部披上了一層面紗。

而人的笑容主要表現在眼角和嘴角上，達、芬奇卻偏把這些部位畫得若隱若現，沒有明確的界線，因此才會有這令人捉摸不定的”神秘的微笑”。關于這幅畫有一個故事。達、芬奇在為蒙娜、麗莎繪畫時，請了位樂師在她旁邊彈奏，以便她能象個模特兒那樣耐心平靜地坐著。她眼中的神情告訴我們她正在傾聽。而現在，如果我們看她那雙美麗的手，并把它們與她的臉聯在一起考慮，我們會覺得那神情更誠摯。她的右手輕輕地放在左手上，中指根本沒有任何依托，我們感到它正和著音樂的節奏輕輕地打著拍子。當我們看著這幅如此逼真的肖像畫背后的景色，我們會為那不真實的背景吃驚。山峰、道路、小橋、流水都在一種夢幻般、飄拂不定的氣氛里出現，仿佛以此證明蒙娜、麗莎的思緒沉浸在一個夢的世界里。

《最后的晚餐》——達·芬奇

在慶祝逾越節的前夜耶穌和他的十二門徒坐在餐桌旁，共進慶祝逾越節的一頓晚餐。餐桌旁共十三人，這是他們在一起吃的最后一頓晚餐。在餐桌上耶穌突然感到煩惱，他告訴他的門徒，他們其中的一個將出賣他；但耶穌并沒說他就是猶大，眾門徒也不知道誰將會出賣耶穌。意大利偉大的藝術家列奧納多、達、芬奇的《最后的晚餐》，是所有以這個題材創作的作品中最著名的一幅。這幅畫，是他直接畫在米蘭一座修道院的餐墻上的? 沿著餐桌坐著十二個門徒，形成四組，耶穌坐在餐桌的中央。

他在一種悲傷的姿勢中攤開了雙手，示意門徒中有人出賣了他。大多數門徒在激動中一躍而起，而耶穌的形象卻是那么的平靜。我們可以看到他明晰的輪廓襯托在背景墻的窗子里，通過窗子，我們看見恬靜的景色，湛藍的天空猶如一只光輪環繞在耶穌的頭上。在耶穌右邊的一組中，我們看到一個黑暗的面容，他朝后倚著，仿佛從耶穌前往后退縮似的。他的肘部擱在餐桌上，手里抓著一只錢袋。我們知道他就是那個叛徒，猶大、伊斯卡里奧特。猶大手中的錢袋是他的象征，它使我們想起，他就是為耶穌和其他門徒保管錢財的人，錢袋里裝著出賣耶穌得來的三十塊銀幣的賞錢。即使他沒有拿著那只錢袋，我們也能通過達、芬奇的繪畫方式，辨別出這個罪惡的敵人猶大。猶大的側面陰影旁是圣、彼得，我們也可以看見他一頭銀絲與一副白晰的手，他向年輕的圣、約翰靠去。彼得垂在臀部的右手握著一把刀，仿佛在偶然中，刀尖對著猶大的背后。圣、約翰的頭朝彼得垂著。

在所有門徒中，他是耶穌最喜愛的一個。約翰象耶穌那樣平靜，他已經領悟了他主人的話耶穌左邊是小雅各，他力圖去理解他所聽到的可怕的話，他兩手攤得大大的驚叫了起來。從小雅各的肩上望去，我們看到了圣托馬斯，疑惑不解的托馬斯，他懷疑的神色通過他豎起的手指表現出來。小雅各的另一邊，圣、菲利普往耶穌靠去，雙手放在胸前似乎在說：”你知道我的心，你知道我是永遠不會出賣你的。”他的臉由于愛和忠誠而顯出苦惱的神情。圍著耶穌的這六個門徒，處于故事的發生的中心。巴塞洛繆與老雅各的身體向他們傾著，而他們身旁的老安德魯并沒有站起來，但他想聽聽，于是便舉起手似乎要求安靜。右邊還剩下最后三個門徒，他們正在討論有關耶穌說的那句話，他們的手指也指向餐桌的中央。他們所看到的這一切，均發生在這幅偉大的作品之中，但每次當我們欣賞它時，都會從門徒的感情與性格中獲得新的含義。

《向日葵》——梵高

梵高的藝術是偉大的,然而在他生前并未得到社會的承認。他作品中所包含著深刻的悲劇意識,其強烈的個性和在形式上的獨特追求,遠遠走在代的前面,的確難以被當時的人們所接受。他以環境來抓住對象,他重新改變現實，以達到實實在在的真實，促成了表現主義的誕生。在人們對他的誤解最深的時候，正是他對自己的創作最有信心的時候。因此才留下了永遠的藝術著作。他直接影響了法國的野獸主義,德國的表現主義,以至于20世紀初出現的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在陽光明媚燦爛的法國南部所作的。畫家像閃爍著熊熊的火焰,滿懷熾熱的激情令運動感的和仿佛旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時,無不為那激動人心的畫面效果而感應,心靈為之震顫,激情也噴薄而出,無不躍躍欲試,共同融入到凡高豐富的主觀感情中去。總之,凡高筆下的向日葵不僅僅是植物,而是帶有原始沖動和熱情的生命體。

《第一步》——梵高

這作品是梵高臨摹自米勒的同名作品。畫面是一個農村的耕地，背面是農民的房屋。畫的右方一位農婦扶著小女兒幫助她學步。左方女嬰的農民父親蹲在地上張開雙手鼓勵她向前走。這雖然是梵高臨摹米勒的作品，但是整幅畫都顯露出梵高個人的風格。畫面用色鮮明，多用藍，黃和綠色。這些高明度及屬于自然界的顏色，讓人感受到活躍的生命力。他讓畫中的人和物框上厚實的黑色線條，這明顯是受到日本藝術的影響，亦讓畫面增加實在的感覺。另外，他亦以彎曲旋轉的筆觸繪畫樹、灌木和農作物。這是他成熟畫作中常用的手法，也令這畫增加生氣勃然的氣息。整幅農村景象讓人感到農民的實在生命，平凡但躍動又充滿親情。

《創造亞當》——米開朗基羅

米開朗基羅的代表壁畫中的重要部分。因為他在佛羅倫薩的盛名,當時的羅馬教皇尤里烏斯二世邀他參加制作教皇陵墓,后又中斷。1508年他被迫接受了西斯廷禮拜堂屋頂壁畫的任務,他當時的心情是悲憤的,不料此壁畫后來成為他生平最大杰作。西斯廷屋頂壁畫面積達500平方米左右,是美術史上最大的壁畫之一。米開朗基羅在大廳的中央部分按建筑框邊畫了連續9幅大小不一的宗教畫,均取材于《圣經》中有關開天辟地直到洪水方舟的故事,分別名為《神分光暗》,《創造日,月,草木》,《神水分陸》,《創造亞當》,《創造夏娃》,《誘惑與逐出樂園》,《挪亞獻祭》,《洪水》,《挪亞醉酒》。這幅巨型壁畫歷時4年多才完成,由于長期仰面艱苦作畫,他頸項僵直,書信都要置頭頂仰視、其中以《創造亞當》最為出色,畫中亞當的形象體態健壯,氣魄宏偉,具有強烈的意志與力量,顯示了藝術家在寫實的基礎上非同尋常的理想加工,予同時代人深刻的啟示。

《夢》——畢加索

1927年,47歲的畢加索與長著一頭金發,體態豐美的17歲少女初次相遇,從此,這位少女便一直成為畢加索繪畫和雕刻的模特兒。又過17年,64歲的畢加索給她的生日賀信中說:"對我來說,今天是你17歲生日,雖然你已度過了兩倍的歲月。在這個世界上,與你相遇才是我生命的開始。"這幅畫作于1932年,可以說是畢加索對精神與肉體的愛的最完美的體現。

《大宮女》——安格爾

安格爾在等待去羅馬留學的這段時間，曾接受過今屬比利時的列日城的一幅訂件，為那里畫一幅《第一執政波拿巴肖像》，此時正值1803年，即路易十六被處死之后，拿破侖又發動旨在推翻督政府的霧月十八日政變的重要時期。這位第一執政官要實行全國的軍事獨裁統治，人民無不切齒痛恨。安格爾卻應允去完成這樣一幅肖像畫。1806年，他又畫了《拿破侖一世在皇座上》，這后一件作品已是赤裸裸地為慶賀這個軍事獨裁稱帝而創作的歌頌性作品。安格爾不問政治，卻在這兩幅畫上宣告了自己的立場。當作品于同年在巴黎沙龍展出時，受到了輿論界的冷嘲熱諷。在羅馬的安格爾獲知這幅畫的反應后，心情非常沉重，曾憤慨地表示： “人們總以為，沙龍是鼓勵繪畫的地方，其實不，它給繪畫提供的是一條可悲的道路。”

1813年，他與瑪德萊娜·夏佩爾小姐結婚，總算使他得到一些慰藉。他說道：“夏佩爾是自我犧牲精神的典范，她成為我生活中的安慰。”這時，他除了畫神話題材之外，還畫了幾幅裸體題材的大畫，準備送往巴黎再度露面。這一幅《大宮女》（這時法國的貴族上層對具有強烈的東方情調的土耳其內宮生活極感興趣，一些畫家為滿足貴族這種視覺需要刻意去描繪土耳其閨房的淫艷生活。安格爾先后畫過好幾幅土耳其宮女的形象。《大宮女》這一畫題是為區別他的另一幅油畫《宮女》）就是這時期他描繪裸題材的代表作之一。這幅畫在巴黎展出時，引起了觀眾更大的抨擊。人們說，作為達維特的學生，安格爾走得太遠了。他們諷刺說：“安格爾先生畫活人，就象幾何學家畫固體一樣。為使其預算好的線條賦予素描以立體感，他什么事都做了！他把人體的各個局部忽而放大，忽而縮小，就象普洛克魯斯特床上的俘虜（Procrustes; 傳說中的古希臘強盜，縛其俘虜于鐵床上，如身長過榻則斷其足，如不及則強伸之使與榻等）一樣隨意伸縮。

有時他感到沮喪，便不再去加強這種可詛咒的立體感，開始使輪廓完善。這就叫舍本求末，用刀鞘代替寶劍來決斗。” 評論家德·凱拉特里說得較為中肯些，他曾對安格爾的學生說：“他的這位宮女的背部至少多了三節脊椎骨。”然而安格爾的學生、曾為其老師作傳記的阿莫里·杜瓦爾說得就更中肯：“他可能是對的，可是這又怎么樣呢？也許正因為這段秀長的腰部才使她如此柔和，能一下子懾服住觀眾。假如她的身體比例絕對地準確，那就很可能不這樣誘人了。” 這幅《大宮女》就嚴格的古典風格去要求，確實存在很多“越軌”之處，首先，色彩的“音域”受到嚴重破壞，背景上很強的藍色和裸體肌膚的黃色，以及人體的明暗和粉紅色調極不諧調，其次是前面所說的夸張了的形體，這個女裸體幾乎成了變形美的一種試驗，它完全背叛了老師的庭訓。安格爾的學生杜瓦爾為此曾竭力為他作辯解，他說：“我并不想說，安格爾先生是個浪漫主義者。但我也要肯定，他從來不是當時所理解的那種意義的‘古典主義者’。”

安格爾似乎在這幅畫上顯示了自己在自然面前的獨立性，但由于安格爾的美學信念的堅定性，這里的表現反而給人們造成對他的見解的模棱兩可性，攻擊與批評是在所難免的。從歷史的角度去認識，我們覺得安格爾具有他的探索勇氣，盡管他所畫的這個人物是有著很大的虛構性。此畫約于1814年完成，為91×162厘米。現藏巴黎盧浮宮。

《圣母子》——拉斐爾

畫中，我們看到圣母子坐在凳子上，背后是一片溫柔和景色。這天，風和日麗，我們可以看到遠處的山巒融進淺藍色的天空。右邊的幾簇矮樹叢，把我們的目光引向了山上的那座小教堂。這使我們想到年輕的母親與她的嬰兒屬于宗教的世界。母親與孩子頭上環繞的兩道光環，是他們圣潔的標志。拉斐爾無需用這種標志來展現他所要表達的東西。他把年輕的母親繪得那樣甜蜜，夢幻般的臉畫得如此溫柔，當我們看著她時，我們想到的只能是圣母。她那雙大大的眼睛根本沒看任何東西，因為它們追隨著她的思緒。她正在沉思，似乎沒有注意到嬰兒耶穌把他的小腳放在她那只擱在膝蓋的手上。她的另一只手抱著嬰兒。當我們把她的雙手與臉放在一起理解的時候，我們感到她似乎已經忘記了嬰兒的存在，她在想著耶穌與他的未來前程。與他的母親相比，小耶穌畫得比他那個年齡的男孩大是自然的。拉斐爾創作這個孩子的肖像的方式，確立了耶穌在畫中的`重要位置。看圣母子的臉，我們可以發現，那柔和的輪廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴，與希臘杰出的雕塑家普拉克西特利斯創作的維納斯頭像有著驚人的相似，這是因為，拉斐爾是文藝復興時期的一位藝術家，他一直在對古代藝術進行研究。但也有不同，拉斐爾把圣母的臉畫得更加溫柔，他把古代女神的神態畫得更精致、更柔和，賦予了一件古代異教徒的藝術作品以新的基督的含義。拉斐爾賦予了古代美以新的生命。在他的畫中，古代藝術獲得了再生，并發展成一種新的不同的完美形式，拉斐爾的成就，代表了文藝復興時期繪畫的最高水平。

《吹笛少年》——馬奈

馬奈早年受過學院派的六年教育,后又研究許多歷代大師的作品,他的畫既有傳統繪畫堅實的造型,又有印象主義畫派明亮、鮮艷、充滿光感的色彩,可以說他是一個承上啟下的重要畫家、他的作品(尤其是肖像畫)很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用幾乎沒有影子的平面人物畫法，表現人物的實在，從這里我們可以看到馬奈的才氣和自負感。此畫明顯帶有日本浮世繪版畫的影響。注：馬奈這一名字出典于拉丁文題銘 Manet et manebit,意思是：“他活著并將活下去。”

《打陽傘的女人》——莫奈

這件作品是莫內早期的印象技法畫作。畫面正中偏右站著一位撐陽傘的女仕，而畫面偏左較遠處的就是她的兒子。這是一個晴天的早上，兩母子在草地上漫步。整幅畫只用了簡單的藍、綠、棕等自然的色彩，給人一種寧靜舒適的感覺。畫中的女仕占了畫面大部份的空間，成為畫的趣味中心。但左側的小兒子與陽傘和女仕也構成一個三角形，得到一個平衡的作用。雖然此畫是莫內早期的作品，但也可見他已很好地捕捉光影和畫中的瞬間印象感覺。畫中女仕面部和上半身都用上較暗的色彩，表明是處于陽傘的陰影之下。而整個陽傘、面部、衣裙和草地上的陰影區，與女仕衣裙上向光一面的光影形成對比（小兒子方面也一樣），就如現實中看到的一樣。另外，女仕擺動的頭巾和長裙上的縐褶也加強了畫面的動感。

《自縊者之家》——塞尚

1872年末，塞尚離開了蓬圖瓦茲對岸的旅館，到了奧維爾村。通過在蓬圖瓦茲與畢沙羅、基約曼一起人事創作，塞尚在作畫中，充分地運用了學到的印象派手法，在色彩方面比以前明亮了，畫面富有生氣，筆觸較為細膩。不過，仍然保留著結實、粗獷這些原有的特征。在這幅作品中，右側高大的屋脊與左側房屋之間，是急劇下降的道路。在中景方面，只能看到村中房子的屋脊。這景是奧維爾村明亮的旱田與天空。前景中的屋脊與建筑物、道路，顯現得堅固有力，給以厚重的感覺。在這里看不到在印象派作品中常有的那些平坦的原野。前景中巨大的物體阻礙了向遠處的眺望，在平和、穩定的風景中，猶如打進了一個大楔子。用這樣的構圖、以及選擇《自縊者之家》這樣的主題，不能不使人聯想到塞尚本人的內心活動與其精神狀態。

《泉》——安格爾

年輕的裸拿著壺罐讓水倒出來，其肌肉因安格爾美麗柔緩的曲線而更具魅力。色彩運用非常柔和而富于變化。表現清高絕俗和莊嚴肅穆的美。這幅《泉》早在安格爾在佛羅倫薩期間就開始醞釀，事閣三十多年以后才最終完成。

《日出·印象》——莫奈

《日出·印象》描繪的是勒阿弗爾港一個多霧的早晨，晨曦籠罩下的海水呈現出橙黃色或淡紫色，天空被各種色塊渲染，再現強烈的大氣反光中形成的表面的色彩。這種對繪畫語言本身的探索為后世許多畫家所接受，從而形成了以印象派為起源的大潮流，藝術踏上了邁入現代的旅程。

《伏爾加河上纖夫》——列賓

列賓(1844-1930),是俄國19世紀后期的俄國批判現實主義繪畫主要的代表之一,《伏爾加河上纖夫》是他的成名之作。還在學生時代,彼得堡涅瓦河上纖夫的沉重勞動引起了列賓的同情,從那時候開始,他就想描繪一幅表現纖夫的作品,以提示下層勞動人民的痛苦生活和社會的不平。1870年夏季,列賓與同班同學華西里耶夫(他后來也畫過有關纖夫的畫)去伏爾加河旅行寫生,典型的俄羅斯風光和纖夫的生活給他留下了難忘的印象。畫中列賓畫了十一個飽經風霜的勞動者,他們在炎熱的河畔沙灘上艱難的拉著纖繩。纖夫們有著不同的經歷和個性,他們生活在社會的最底層,但這是一支在苦難中練成堅韌不拔,互相依存的隊伍。背景運用的顏色昏暗迷蒙，空間空曠奇特，給人以惆悵、孤苦、無助之感，切實深入到纖夫的心靈深處，亦是畫家心境的真實寫照，這對畫旨的體現，情感的的烘托起了極大的作用。因此本畫的構圖、線條、筆力等繪畫技巧都是相當成功的。

《亞威農少女》——畢加索

過去的畫家都是從一個角度去看待人或事物，所畫的只是立體的一面。立體主義則是以全新的方式展現事物，他們從幾個角度去觀察，把正面不可能看到的幾個角度去觀察，把正面不可能看到的幾個側面都用并列或重疊的方式表現出來。在《亞威農少女》中，五個裸的色調以藍色背景來映襯，背景也作了任意分割，沒有遠近的感覺，人物是由幾何形體組合而成的。

兒童畫教程｜顏料噴濺表現激情動感《砰砰砰！酒瓶碎了！》

課程準備

1.課程類型少兒趣味美術課程

2.參考課時 90分鐘

3.工具材料素描紙、記號筆、水彩筆、顏料

課程構思

酒，是一種無論古今中外都流行的飲品，酒的種類多樣，有葡萄酒、啤酒、白酒、米酒等等，世界各國的人民對酒的熱愛從古至今，隨之，也催生了多種多樣的酒瓶設計。小朋友們，你們知道嗎，酒瓶作為一件玻璃制品也是有著它獨有的美感的哦，當人們將啤酒喝完后，很多人會選擇丟棄，但在國外有很多藝術家將啤酒瓶廢物利用，使用丙烯顏料等繪畫材料給它們進行裝飾，普通的啤酒瓶就能搖身一變，成為一個別出心裁的藝術品。不僅如此，酒瓶有著它易碎的特性，當它碎裂時，酒液四濺，玻璃炸開，因為這一動感的場面極具沖擊力，所以設計師們也會將這樣的畫面用于平面設計中，給人們視覺上帶來另類的享受。在今天的的課程中就讓我們以酒瓶為主題，結合剪貼、吹墨等多種技法，設計一款漂亮的酒瓶，同時繪制出酒瓶碎裂的一瞬間的動感場面，在鍛煉小朋友們色彩搭配能力、裝飾能力的同時，培養小朋友們發現生活中的美，抓住美感瞬間的意識，然后我們一起來看看參考教程吧！

情景描述

與一般的美不同，酒瓶這一玻璃制品碎裂的一瞬間，伴有危險、伴有凌亂感、伴有力量感，伴有所有我們視覺能接受的最大沖擊力，這一富有動感的畫面為許許多多中外設計師使用，讓我們拿起畫筆，一起來畫一畫這一經典的設計構圖吧！

教學重難點

1.繪制酒瓶的外形，并用豐富的色彩進行對酒瓶的裝飾。

參考和觀察酒瓶的各色造型，抓住酒瓶的特點繪制出一支完整的酒瓶。酒瓶的形態多種多樣，有長條形，有圓形等等，但是無論酒瓶肚的形態如何，酒瓶都是保持著上窄下寬，瓶口圓窄的特點的。在繪畫時，選擇一款自己喜歡的啤酒瓶外形進行繪畫。

2.運用富有想象力的花紋和色彩，為啤酒瓶進行裝飾，體現花紋和色彩的美感。

當人們將啤酒喝完后，很多人會選擇丟棄啤酒瓶，但在國外有很多藝術家將啤酒瓶廢物利用，使用丙烯顏料等繪畫材料給它們進行裝飾，普通的啤酒瓶就能搖身一變，成為一個別出心裁的藝術品。在繪畫的時候，你也可以大膽地展開想象，為啤酒瓶裝飾美麗的花紋和色彩。

3.學習運用吹墨的趣味技法，結合剪貼的手法模擬酒瓶炸裂，液體四濺的動感，塑造出沖擊力十足的畫面。

將彩墨滴在畫面中合適的位置，用吹墨的技法使得液體在平面上不規則地流動，模擬出液體濺射的質感；使用剪刀剪出不規則的裂口形態，并剪出碎片型，模擬玻璃碎裂時的質感，兩者結合，我們酒瓶炸裂、液體濺射的畫面效果就出來啦，小朋友們一起試試吧！

繪畫教程

準備一張素描紙

用記號筆在紙上畫出啤酒瓶的外形